日前，由上海国际艺术节、上海交响乐团、中央音乐学院结合委粗略的科幻歌剧《七日》在上海交响乐团音乐厅演出。本剧由郝维亚作曲，王爰飞编剧，萧丽河担当灯光设计，而导演以及舞美、影像、服装设计均出自电影导演杨竞泽一人之手。经由他打造的舞台呈现，观众履历了一场深刻而前卫的未来之旅。本站采访了杨竞泽导演，请他聊聊对这部有“实验性”新歌剧舞台创排的独特感悟。

　　——跨界者、破格者、缔造者

　　提问：杨导您好！首先祝贺《七日》首演成功。我们的提问想从这样一部独特作品的缘起起头。在人们平日的概念里，“歌剧”是一门陈旧而传统的艺术，而“科幻”是对未来的想象，这样气质迥然分歧的文体和题材的碰撞，堪称一次天才而勇敢的开创。我们想知道，这个想法是如何发生的，它带给导演怎样的创作慷慨？

　　杨竞泽：这个作品的缘起是出品方和作曲家郝维亚筹算在《画皮》的成功之后继承在室内歌剧方向长进一步索求。一起头人人就很明确，要做一部关于“未来”的科幻歌剧。坐在一起讨论科幻歌剧题材的时候，我们由天入地从古至今想了很多，甚至想过依托一些经典题材将其改装放在未来，但最后人人都赞同索性胆子大一些，既然干就干点儿没人玩过的。实际就很科幻，未来即在当下。如今AI都能够作曲了，那人之为人最后的碉堡——“缔造力”会不会在未来的某一天被AI取代，那一天是不是即是人类的最后一天？如今的艺术创作缺的往往不是才调、金钱、客观前提，恰恰即是差那么一口“破圈儿”的心气，“干一把纷歧样的”勇气。我自己是一个电影人，这次来执导歌剧，给本身的定位即是——跨界者、破格者、缔造者。

　　乍一看，歌剧代表着“过去”，科幻代表着“未来”，它俩风马牛不相及，但它们其实有一个共同点——都不是如今，不是我们自身的经验。人人都说科幻电影难拍，难就难在电影是写实的，拍的东西都是人们日常观感的经验，电影画面永远不如科幻小说里笔墨构建的无限想象空间。我们拍电影每每想要缔造点“意境”就要去到西藏、新疆，人迹罕至的处所，要找“陌生化”。然则“歌剧”就解了这个题目，一来它和观众的经验有间隔，歌剧不写实你不会感觉接管不了；更紧张的是它是音乐的艺术，音乐是抽象的，我们对科幻的懂得，对未来的想象，对人的本质的思虑也能够是抽象的——从导演的视角来看，歌剧反却是科幻题材创作的绝佳载体！

　　——作品的主题即是“缔造”

　　提问：我们平日认为的“剧”都有肯定的“情节”，而《七日》的创作者似乎有意回避了故事的情节性，反而更多追求一种故事之外的理念化的表达，这给您的导演构思提出了一个很大的挑衅，不知道您是如何给舞台空间赋予支点，让观众更容易领受到作者想要传达的理念的？

　　杨：切实如此。其实这次创作原本编剧写了一个带有完备故事的剧本，比最终演出人人看到的内容要多得多，作曲家郝维亚从音乐创作的角度对故事进行了大马金刀的简化，最后的唱词只储存了三个人物的“神”，而舍弃了包括情节在内很多“形”的东西，只有二、四、六、七这四日是有演唱的，一、三、五全部是纯音乐，郝师长还戏称“听不懂就对了”。我是懂得并支持郝维亚的这个做法的。因为音乐自己是抽象的，我们这次创作传达的理念也是抽象的，故事并不是最紧张的，这种处理是贴切的。音乐既然如此，剩下的工作即是导演必必要解决的了。歌剧中的音乐是第一性的，歌剧导演必必要从音乐中来，到音乐中去，把听觉视觉化，把音乐形象化，让观众“看到”音乐。

　　舞台设计的“支点”主要有三个焦点意象——“季世之丘”、金字塔和琴盒。“季世之丘”是纯白的沙丘，无光无色，是人类面临被AI扑灭的田地。黑色金字塔代表人类文明的印记，亦代表人的欲望，它是一个镜面，观众从中看到反射的本身。琴盒是艺术的象征，其实是这季世之中的方舟，寓意救济——人类若要扑灭，艺术将永恒不死，在宇宙中形成“刻印”。如果说这个作品是率领观众一起思虑人与AI的本质区别事实是什么，人之为人的基本事实是什么，那么我的谜底其实就藏在这个琴盒里——“缔造”，AI是人的缔造，人是神的缔造，缔造者被缔造。