《娜 塔莎、皮埃尔和1812年的大彗星》九棵树未来艺术中心预演现场。 本报记者 叶辰亮摄 制图：张继

　　■本报记者 柳青

　　本周日，百老汇陶醉式音乐剧《娜塔莎、皮埃尔和1812年的大彗星》（以下简称《大彗星》）将在前滩31演艺中心首演，随后开启亚洲巡演，以全英文形式一连演出51场。这次的演出版本由中国制作团队和百老汇版主创结合打造，垦荒了本土音乐剧制作的新模式。百老汇版本的《大彗星》以感染力十足的歌曲和立异的陶醉式舞台结果而著称，即将亮相的上海版以百老汇的创意为焦点，对演出规模和表演形态作了本土化的升级，包括舞美、灯光、音响和服装在内的各制作环节都有提升，以科技和审美的融合为亮点。

　　把1812年的莫斯科隆冬搬到本日的上海

　　过去的一周里，2500座的前滩31演艺中心大戏院酿成一个大工地，戏院前七排的400多个位置被拆除，改造成四个圆形观众池座和一大一小两个圆形表演地域，空间格局相通19世纪初的俄罗斯宫廷舞会现场。观众池座和表演地域组成的星环图形构成了独特的陶醉式表演空间，观众坐在池座中，圆形池座相邻的地域里分散着乐队，演员们运动地域并不限于两个圆形舞台，而是要在缠绕池座的“轨道”上满场飞奔，还会进入池座地域邀请观众介入剧情中的舞会互动。

　　《大彗星》首演于纽粗略外外百老汇的小微戏院，这个作品的创意来自编剧戴夫·马洛伊在俄罗斯采风时连年繁光临的小酒馆，从最初的小戏院版到之后自出机杼的帐篷戏院，以及2016年的百老汇版本，它的演出空间都是酒馆式安置。上海版的转变和升级在于，韩国舞美设计师吴弼泳接洽剧情中“1812年的彗星”，从彗星运行的轨迹中获得灵感，把整个舞台空间从上而下地设计成圆环围绕的“星系”。

　　到昨天，前滩31演艺中心的这个“彗星宇宙”已现峥嵘，重达12吨的5个圆形装饰悬起在舞台上方，与观众池座和圆形舞台互为呼应，灯光亮起，整个戏院犹如群星运行的星系。跟着五盏重达1吨的水晶吊灯被升起、点亮，在重重织金的赤色帷幔缠绕中，托尔斯泰所刻画的1812年的莫斯科社交现场被搬到了本日的上海。在这个被红丝绒包裹的内景天下之外，制作团队经由灯光制造了景深，渲染出冰封大地的外景，呼应着剧中唱词“外部天下正履历战争和寒意”，与靡靡奢华的社交场面形成强烈比拟。

　　在上海版的全新舞台空间里，最直观的感受是这次的《大彗星》比百老汇版更“大”了。百老汇版仍然以小酒馆的安置夸大亲密的观演体验，上海版更偏重于渲染俄罗斯文化所特有的宏阔感。这也使得《大彗星》在制作层面成为本土音乐剧中所稀有的“重工业”产品。以道具为例，全剧共计用到2000余件道具，运送装台的货车到达30辆。为了强化与音乐呼应的戏剧结果，整台演出对灯光设计的要求极高，灯光设计师直言：“这次的工作量比百老汇大太多了。”以女主角娜塔莎的紧张唱段《别无他人》为例：首先用团体惨淡的灯光烘托浪漫的氛围，跟着演员在分歧的舞台地域展现，需用灯光引导观众聚焦于演员，同时行使高光烘托音乐和演唱的情绪。音响同理。由于观众池座紧挨着乐队和表演地域，要兼顾观众的陶醉式倾听需求和演员在表演中的返听，是手艺上的浩劫题。据音响设计表示：“我们行使声音跟踪体制，让池座中的观众发生被歌声包抄的陶醉感。同时对通例席位上的观众，音响设计偏重于拉近他们和表演者的间隔。最终，戏院里的每个观众都能得到很好的观看体验。”

　　上海版《大彗星》的创制过程中，中方团队不再是以往的“剧目搬运工”，而是借鉴百老汇的创作流程，组建一支敢于立异的国际团队，在排演中提升作品的规模和体验感，意在给本土观众缔造新的观看体验——大量利用舞台高科技，期待观众能跟作品表达的情感更切近。

　　在音乐层面进行极致索求

　　元旦假期中，《大彗星》在九棵树未来艺术中心预演四场，其时很多评论认为，这是中国当下的音乐剧舞台上很少见的作品，其一是因为整个演出的规模和舞台手艺呈现都刷新了中国音乐剧制作的上限，其二即是这部作品的音乐风格是很具有前沿性的，担当《大彗星》音乐总监的赵继昀直言：这部作品掀起了音乐剧领域的新海潮。

　　赵继昀在2019年时听过《大彗星》的部门曲目，其时他的觉得还只是“很主流的音乐，可听性强。”然则客岁，当他介入到《大彗星》的制作中，着手于完备地研究全剧音乐时，他说：“我至今记得，我在高速路上开着车，完备地听完这张专辑，感受到极大的进攻力，分歧曲目之间的音乐风格差别明显，跳脱到不像是在统一部剧里。”这是一部从头唱到尾的“唱剧”，歌曲之间没有对白过场，人物的情感表达全靠音乐语言完成，编剧兼词曲作者戴夫的才气，施展在他冲破了通例音乐剧中的音乐走向，他的谱曲总是制造出让人捉摸不透的惊喜。戴夫借鉴了俄罗斯民歌的风格，参与电子音乐、嘻哈、摇滚等，抓住小说中的人物情感节奏，创作出融合了各种音乐流派又能服务于故事的“大杂烩”，本剧的音乐看守奥尔·马蒂亚斯形容“这是真正的音乐自助餐”。