《沉沉的厝里情》剧照

　　《沙湾往事》剧照

　　《醒·狮》剧照

　　 作为舞蹈与戏剧的融合体，舞剧既要能“舞”，也要有戏。然而，舞蹈与戏剧在艺术本质上并不天然契合——舞蹈偏于抽象、抒情与感性，依赖动作与节奏传递情绪；而戏剧则重于具象、叙事与理性，强调人物、情节与因果关系。当它们被纳入同一结构，创作者就不得不面临这样的问题：舞太多，剧不清，观众只能借助节目册和字幕等说明文本来拼接剧情线索；而当叙事成为主导，舞蹈又有被简化为剧情“传话筒”的风险，失去身体语言本应具备的自由性与诗性流动。如何在身体行动与叙事推动之间建立有效的“翻译”机制，以实现舞与剧之间的动态平衡，是当前舞剧创作的核心命题之一。

　　文本、视觉与舞蹈是构成舞剧的三个维度

　　 文本、视觉与舞蹈是构成舞剧的三个维度，其中蕴藏着舞剧的叙事路径与美学逻辑。只有这三者协同，才能让舞剧成为一种兼具叙事与审美张力的现代舞台艺术。

　　 文本（或故事），往往是观众进入舞剧世界的第一个通道。对于一部没有台词的作品来说，文本的“可识别性”至关重要，它能降低理解门槛，也能为舞蹈的抽象表现创造承载空间。近年来的许多出圈作品，无论是取材自古典文学的《红楼梦》《李白》，还是立足红色题材的《永不消逝的电波》，都选择了观众熟悉的叙事资源作为创作基础。这种“已知”的故事框架，使得舞蹈可以不再承担“讲清楚”的任务，而是集中力量去表达人物的心理与命运的暗流。这也正是舞剧最独特的优势之一：它不是“讲”一个故事，而是通过身体，把故事转化为感受，传递给观众。文本在舞剧中不是剧情的纲要，而是情绪的引线，为“剧”的讲述提供最大程度的开放性与包容度，为“舞”的表达预留出更为自由的空间。

　　 视觉作为叙事的另一语言，使得舞剧在“看”与“懂”之间建立起情感的桥梁，也为‘舞’与‘剧’之间的互译提供了形象而流动的中介。现代舞剧的剧场不再是镜框式的容器，而是一个可以变形、呼吸、感知联动的场域。舞台设计不仅承担美学功能，更具有结构性，在某种程度上，它可以决定故事的展开方式，人物的出场逻辑，以及情绪的流动节奏。舞台空间自身会说话，灯光调度制造节奏，影像甚至介入结构，成为情感和思想的外化手段。《只此青绿》之所以令人难忘，正因为它用水墨意境构建了整部作品的情绪氛围，“千里江山图”不仅是文化背景，更是舞台空间本身。主创团队将研墨、铺纸等绘画细节提炼为舞蹈动作，空间布景与身体运动紧密编织，让观众仿佛步入一幅缓慢铺展的画卷。这种“意境型叙事”不依赖情节推进，更多的是引导观众在视觉中自我“补全”意义。同样，闽南风情的《沉沉的厝里情》结尾处，舞台上闽南古厝院墙的缓慢位移，隐喻主人公人生记忆的重组与回望，场景空间的变化即是叙事结构的变化。

　　 尽管文本与视觉为舞剧提供了理解与沉浸的路径，真正赋予舞剧独特艺术气质的，仍然是舞蹈本身，它是舞剧叙事中最具现场能量与审美张力的表达系统。过去我们常说舞剧“拙于叙事”，问题的关键在于是否能找到适配的叙事语法。随着身体语言的不断发展，越来越多作品开始用动作关系、动态节奏与空间走位描绘人物心理与情感轨迹。其中，不是人物被交代清楚了，而是他被观众读懂了。如《李白》中，舞者在“月下独舞”中所传达的孤独、浪漫与挣扎，几乎不需要任何剧情背景，就能成为观众的情感共振点。而《沙湾往事》则通过身体动态的反复纠缠逐层递进，人物的情感、牺牲、挣扎都在动作关系中得到清晰呈现。这些作品的成功，不是靠“看懂”，而是靠“感通”，始终保持着舞蹈语言的主导地位，以舞蹈的感召力赋予舞剧魅力。

　　提升题材现实观照度，拓宽与观众的共情路径

　　 近年来，越来越多的创作者意识到，舞剧不仅是舞蹈艺术的延伸，更是融合身体、视觉与叙事的剧场表达，应运用一种可供现代观众共鸣的复合型叙事方式。舞剧创作者们不再仅以编舞为核心，而是从“讲述什么”与“如何讲述”两个层面，重新思考舞剧的构成方式。